Solo family & friends è la mia mostra personale curata da Simone S. Melis e Marta Cereda presso due spazi milanesi, Spazio Prugg e Superness. La mostra nasce dal fortunato evento per cui, due amici, all’incirca nello stesso periodo, avevano a disposizione dei nuovi spazi e volevano farci delle mostre; per uno strano effetto a catena sono stati poi coinvolti altri amici e familiari nell’organizzazione del progetto. Il titolo Solo family & friends riprende la dicitura tipica delle svendite di moda che allude a una cerchia ristretta, generalmente fittizia e con fini più commerciali che altro. Nella mostra sono esposte opere da cui emerge invece un’intima prossimità con personaggi ed oggetti legati ai luoghi che amo definire casa e a coloro che definisco famiglia.

Strawberry artwork è un’opera per la quale ho prelevato tutti gli oggetti di casa mia che hanno la funzione di migliorare o alterare le caratteristiche dell’aria. Tali oggetti hanno subito un processo di tuning venendo modificati per emanare odore di fragole; forse fragole di bosco, quasi le prime fragole della stagione, un po’ acerbe e non ancora perfettamente mature.

Untitled (Cagno) è la mia seconda opera con questo titolo. Come la prima il soggetto sono delle patate, tubero tipico del mio paese di origine, Cagno, qui fotografate in una piccola e causale scultura sul lavandino in acciaio inox a casa dei miei genitori.

Scusa. fa parte di una serie in corso di opere in cui riporto frasi o espressioni altrui che vengono grattate nel muro dello spazio espositivo o nei muri della casa del collezionista usando la font Times New Roman.

Lil Guy è una serie di opere in corso, nate inizialmente come piedistallo per l’opera Untitled (perfect day) hanno poi assunto un ruolo autonomo. Si tratta di un sottile piedistallo, ricavato da una comune trave per il tetto, che viene smussata, lisciata e ricoperta da circa 12 mani di imprimitura, seguendo l’antica ricetta utilizzata per la preparazione della tavola in legno, usata nei dipinti rinascimentali. Lil Guy è pensato per essere un’opera autonoma ma anche per ospitare altre piccole opere, mie o altrui.

Sanfratello è un’opera che prende in prestito due quadri di Giovanni Sanfratello. I quadri sono di proprietà del curatore Simone S. Melis, che è anche il mio coinquilino, e sono la cosa più importante che c’è in casa nostra. Giovanni Sanfratello fu legato sentimentalmente ad Aldo Braibanti, condannato per plagio proprio contro Sanfratello in un momento storico in cui l’omosessualità era criminalizzata. Sanfratello, internato e sottoposto a terapie invasive, dopo questa esperienza, si ritirò a vita privata. Il mio lavoro espone queste due opere in una struttura che non ne consente la vista, nella volontà di rispettare la riservatezza di Sanfratello ma volendone ribadire l’esistenza. La struttura si configura come un abbraccio leggermente inclinato, all’interno del quale sono custodite le opere, sbilanciandosi l’un l’altra come nell’irruento saluto di due che non si vedono da molto tempo. Le due strutture simmetriche che creano l’abbraccio sono tenute insieme da delle zampette in legno, fissate con un meccanismo di perline in plastica, prese da un gioco per bambine.

Nel 2022 vivevo a Venezia ed ero in residenza presso la Fondazione Bevilaqua La Masa. Sorry if it hurts e Kit festa sono le opere che ho portato alla mostra di fine residenza della fondazione, si tratta di due set di coriandoli fustellati a mano. Sorry if it hurts è un kit di coriandoli in bianco e nero, fustellati da una foto in cui è raffigurato l’artista Andrea Cadere al caffè Florian di Venezia, durante la Biennale, che sorride con una delle sue opere in mano. Kit Festa invece è composto da coriandoli molto colorati, ritagliati dalle immagini delle opere di Tano Festa dal catalogo generale delle sue opere.

Not a Game è la mia mostra personale presso Surplace, a Varese, curata da Luca Scarabelli. La mostra ruota attorno a una piccola opera, una fotografia di un dettaglio di un’installazione del 2018, incorniciata all’interno di una saponetta marca Dove.
L’opera fa parte di una serie di fotografie che condividono la stessa dinamica economica; non possono essere commercializzate in cambio di denaro ma è possibile possederne una in cambio di 40 ore di lavoro per me. Nel caso di Not a Game questa specifica saponetta è legata ad ore di lavoro destinate alla realizzazione di un progetto, esposto in mostra sotto forma di una grande stampa billboard.
Il progetto prevede la realizzazione di un’opera all’interno di un museo di arte antica, sfruttando la presenza, nella stessa stanza, di due busti molto comuni della statuaria antica; quelli di Adriano e quello di Antinoo. Nonostante spesso li abbia visti nella stessa sala, non si guardano mai. La mia opera consiste nell’inclinare, girare o spostare tali busti in modo che si guardino l’un l’altro.

Ciao G, M e tutti;
Spero siate bene e anche che siate in vacanza in qualche posto delizioso. Vi scrivo per aggiornarvi su una piccola mostra che ho appena aperto a Firenze, da Toast Project Space. La mostra si chiama Dissing ed è un piccolo esperimento che volevo provare ma non ne avevo forse il coraggio e di cui sono molto contenta.
La mostra ha due diversi registri, uno con 25 sculture fatte di pane per toast che raffigurano le mostre precedenti, l'altro è una decorazione fatta con dei dog park in acciaio, funzionanti, e che si pensa di attivare con l'opera audio sui cani nell'ultimo giorno di mostra.
Vi allego anche il testo del curatore, Gabriele Tosi, che oltre ad essere molto bravo spiega sicuramente meglio di me. (Per G, Gabriele è il curatore che conosce anche K che era con me nel giorno del galeotto accaldato). Se per caso passate da Firenze la mostra resta fino al 24 Settembre. :) Intanto un abbraccio e buona estate!
C

Per G., 2024: Il 14 luglio del 2019 ero al bar del paese dove sono cresciuta con i miei amici di infanzia; mentre chiacchieravamo ho inciso nel legno del nostro tavolo il nome dell’autore del libro che stavo leggendo per un esame: MARK FISHER. A qualche cm di distanza, il nome del cantante VASCO, inciso da un altro annoiato avventore. Quel mio gesto distratto ha cambiato lo statuto di questo tavolo, rendendolo il mio tavolo preferito, quello dove mi siedo di solito e che spero sia sempre libero; uno spazio al quale è ancorata l’appartenenza a un gruppo di persone e a un luogo. Per G. è un’opera in cui ho scambiato questo tavolo con uno dei tavoli della Galleria Zero… di Milano. Ora, al bar, il mio tavolo preferito è quello della galleria. L’opera è composta da entrambi i tavoli, che diventano un unico oggetto, ma, allo stesso tempo, non possono mai stare insieme, se non in quel breve istante in cui si scambiano di posto.

A place to stay., 2024: A place to stay è un’opera audio in cui racconto a 100 cani la storia di 100 artisti italiani del Novecento. L’opera è stata realizzata grazie al supporto del bando “Per chi crea” promosso da Siae, il progetto espositivo è stato presentato a ottobre 2024 presso Careof a Milano con la curatela di Marta Cereda e Laura Lamonea. La realizzazione dell’opera è stata accompagnata da una ricerca teorica svolta in diverse biblioteche, tra cui la Biblioteca della Galleria Nazionale di Roma, la Biblioteca del museo Ma*ga di Gallarate (VA) e molte altre. L’opera si configura come un ideale posto dove stare, riprendendo e raccontando opere e episodi della vita di artisti italiani del Novecento senza la presunzione di un valore specifico nella storia dell’arte ma, piuttosto, di un valore emotivo forte nella mia esperienza di artista. L’opera è accompagnata da un libro pubblicato da Corraini Edizioni, disegnato da Alessio D’Ellena, in cui sono raccolti i ritratti dei cani che hanno partecipato al progetto e i testi delle curatrici e del prof. Davide Colombo e della storica dell’arte Giulia Zompa.

Trimmed after a pattern è un progetto ospitato da Ex-Amato, a cura di Thomas Ba, con un testo di Vittoria Caprotti. Il titolo della mostra è preso dallo scambio epistolare tra Hugo Von Hofmannstal e il guardiamarina Edgar Karg Von Bebenburg, edito in italia con il titolo “Le parole non sono di questo mondo”. L’espressione è riportata in inglese anche nel carteggio, in un momento in cui il guardiamarina sta appunto imparando l’inglese. Dell’espressione possiamo percepire il significato, così come sembra trapelare dalle parole il sentimento amoroso che, forse, legava Hugo ed Edgar me che, per ragioni storiche, non poteva essere mai esplicitato chiaramente. Le opere in mostra, approfondite singolarmente nelle pagine seguenti, alludono all’impossibilità di comunicare tramite il linguaggio il sentimento amoroso. La mostra si apre con il multiplo infinito Untitled (perfect day) ed è accompagnata dalla musica dell’installazione Sorry Mondrian for the mess che è anche l’unica fonte di illuminazione della mostra.
La mostra ospita le seguenti opere: Untitled (perfect day), Institute for snow, 2024; Sorry Mondrian for the mess, 2024; We are just objects made of flesh, 2023.

Untitled (perfect day) è un multiplo infinito. Un bacio, un morso, un abbraccio, un atto sessuale tra due gusci di pistacchi trovati per caso in un pacchetto. Il multiplo ha una tiratura infinita, finirà quando smetterò di mangiare pistacchi. Ogni volta che trovo uno di questi abbracci in un sacchetto descrivo brevemente il momento e il luogo in cui mi trovo, questa piccola descrizione viene inclusa nell’autentica della specifica edizione del multiplo.

Institute for snow nasce dal ricordo di alcune lezioni sul filosofo tedesco Walter Benjamin (1892-1940), in cui mi era stato detto che era solito appuntare il disegno di una stellina quando nei libri che leggeva trovava un “concetto monadico”. Molte persone con cui ho parlato ricordano questa stessa informazione, anche se, di fatto, non ne ho trovato prova. L’idea di queste stelline che costellano i libri letti da Benjamin mi ha sempre affascinato, a prescindere dal fatto che sia vera o no. Ho dunque cercato su LinkedIn un omonimo di Walter Benjamin, con il fine di commissionargli un disegno di stelline per farne una mia opera. Con il primo Walter Benjamin, un fisico teorico, ci siamo mandati alcune mail per poi passare ore al telefono. Questa conversazione è stata così intensa che ha portato Walter Benjamin a sparire senza consegnarmi nessun disegno di stelline. Ho quindi trovato un secondo Walter Benjamin, il quale non ha voluto partecipare al progetto, e un terzo che, invece, ha accettato di disegnare delle stelline per me, affinché potessero diventare una mia opera.

Sorry Mondrian for the mess è una danza boogie-woogie tra due lampade da cantiere gialle, che ricordano per la loro cromia il celebre quadro Broadway Boogie Woogie (1943) di Piet Mondrian, esposto al MoMa di New York. Nell’installazione le due lampade, il cui body language ricorda vagamente quello umano, sono incastrate in modo che le loro calotte coincidano e la luce potente dei fari trapeli da esse. Il ballo lento di queste lampade è evidenziato dai punti in cui le due lampade sono in contatto e che ricordano i micro-movimenti di due ballerini. L’installazione è accompagnata da una colonna sonora composta appositamente rivisitando alcune delle caratteristiche del Boogie e che può essere ascoltata in una versione ridotta a questo link.

Waiting for the miraculous (2019-...): Waiting for the miraculous è un’azione performativa realizzata con un principio simile a quello delle casse. Il mio lavoro è lo specchio dell’opera di Bas Jan Ader In search of the miracolous del 1975, durante la quale l’artista svanì nel tentativo di attraversare l’Oceano Atlantico a bordo di una piccola barca a vela. La risposta a questa sparizione è Waiting for the miracolous, una azione performativa in cui guardo il mare finché il mio sguardo lo può sostenere. La durata dell’azione è variabile, il tentativo è quello di ricoprire una temporalità più ampia possibile.

Just the two of us (2022–...) è una serie di opere che nascono appositamente per mostre collettive con altri artisti all’interno di spazi commerciali (gallerie, fiere, etc). In questo lavoro parto da una mazzetta RAL K5 Classic e ritaglio dei bollini di vendita intonati per ognuna delle opere esposte. A ogni opera viene assegnato un colore tra i 216 disponibili nella mia mazzetta RAL, a questo colore l’opera si lega in modo indissolubile. Quando la mostra apre, tutte le opere sembrano essere già state vendute a causa della presenza dei bollini. In caso di acquisto di una delle opere esposte, il mio lavoro viene acquisito insieme all’opera, in cambio di un piccolo sovrapprezzo. Il ciclo si considererà chiuso quando avrò esaurito tutti i 216 colori della mazzetta RAL.

Safari (not the exception but the rule) è un progetto realizzato con i ragazzi del Liceo Artistico Boccioni di Milano, in occasione dell’edizione 2021 di Video Sound Art Festival, a cura di Laura Lamonea e Thomas Ba. L’opera è un’azione performativa che ha abitato gli spazi del Museo di Storia Naturale di Milano per tutte le sere del festival, durante il quale il museo è stato mantenuto aperto dopo l’abituale orario di apertura. In Safari (not the exception but the rule) i ragazzi disturbavano con il loro passaggio le visite guidate organizzate dal festival, trasportando vari manufatti che ricordavano misteriosamente elementi tecnici museali, correndo, fischiettando con dei quadri sotto braccio, investendo il pubblico di visitatori. I performer indossavano guanti bianchi in cotone o blu in nitrile, elementi centrali dell’opera che vuole riflettere su come questi oggetti abbiano il potere di indicare un presunto valore artistico di ciò che viene manipolato.

Ovunque ma non qui è il titolo di una serie di opere che nascono dalla profonda fascinazione per i piani di fuga; elemento che ammette la possibilità del fallimento di un sistema dato. In Ovunque ma non qui vol. 1 ho ingigantito i segni grafici di un piano di fuga, facendo coincidere la mappa con la realtà. I segni grafici sono stati dipinti a terra direttamente L’opera è stata realizzata dipingendo direttamente a terra all’interno degli spazi di un un ex-macello abbandonato, non aperto al pubblico per ragioni di sicurezza. In contesti espositivi viene riprodotta con enormi stickers. In un’altra versione di Ovunque ma non qui mi focalizzo sulla presenza dei piani di fuga all’interno delle istituzioni dell’arte dove, di fatto, essi sono dei disegni incorniciati che, nonostante da questo presupposto abbiano tutte le carte in regola, non hanno lo statuto di opere d’arte. Tramite un elaborato escamotage mi faccio inviare dai musei del mondo i loro piani di fuga e li ridisegno a mano, realizzando dei set di sticker che utilizzo per riconfigurarne i piani di fuga a mio piacimento, incurante della loro effettiva funzionalità.

A collector’s play è un’ulteriore declinazione della riflessione sui piani di fuga. In occasione di una sua visita al Philadelphia Museum of Art, dove sono conservate le più importanti opere di Duchamp, ho chiesto al collezionista Giovanni Scibilia, che è anche coautore dell’opera, di raccontare del mio lavoro sul piano di fuga del museo ad alcuni visitatori e alla guardia della sala dove è esposto il Grande Vetro. L’installazione A collector’s play si compone di una copia identica della panca delle sale Duchamp del museo in questione, modificata affinché diventi una cassa di risonanza per l’audio del racconto fatto ai visitatori del museo. L’opera è accompagnata da un testo di Scibilia dal titolo MD. A play.

Untitled (Cagno) è un’opera realizzata nel 2022 in occasione di Hyperlocal festival a Milano, a cura di Zero.eu e Annika Pettini. Il tema del festival era una rilfessione sul rapporto tra centro e periferia. Nello stesso week end della mostra, nel mio paese di origine, Cagno (CO), si svolgeva la Festa della patata, evento imperdibile che celebra l’unico prodotto tipico di questo piccolo paesino di provincia. Ho scelto di portare in mostra 60 chili di patate di Cagno, esponendole su un basamento candido, museale. Il visitatore del festival era invitato a giocare cercando di indovinare quante patate componessero la scultura; il fortunato vincitore ha vinto una mia opera, una foto che raffigura la scultura di patate.

The whale è un’azione performativa in cui immagino una balenottera azzurra della lunghezza di 27 metri. Per imparare ad immaginare un elemento così grande ho dovuto allenarmi, costruendo dei riferimenti della stessa misura: 6 macchine parcheggiate, una bindella su un lago ghiacciato, dei paletti su un campo da calcio.

What you see is what you mean è un’installazione che ricostruisce un ambiente romantico con una particolare predilezione per l’idea di stereotipata di un romanticismo stucchevole. L’opera è un sistema composto da una luce al tungsteno tipica delle produzioni cinematografiche (un Arri300), uno specchietto da trucco, numerosi cavi e una cassa bluetooth da cui risuona Almost Blue di Chet Baker. Il sistema, lasciando evidenti tutti i suoi elementi, produce una piccola e romantica luna, proiettata sul soffitto dello spazio espositivo.

In questa serie di opere ready made utilizzo la font Times New Roman, per incidere sul muro dello spazio espositivo delle frasi prelevate da altri contesti. La prima realizzata è non voltarti; ripresa da una scritta a bomboletta all’interno della villa abbandonata che sta al centro del mio paese di origine, Cagno.